如何疗愈品牌视觉紧绷？
“如果设计师自己都没有觉得有趣，那作品也很难真正打动别人。”
如果你去观察当下那些真正打动人心的设计，你会发现一个反直觉的现象：在全网都在卷3D渲染、AI视觉和超写实数字特效的时代，反而有越来越多设计师选择“往回走”——回到双手，回到材料，回到那些不完美却真实的痕迹。
BOOKS & THINGS动态视觉 |
©蔡秉禄 |
“我始终以打磨一件艺术品一样的心态去做设计：依靠个人技术与独特方法，打造别人无法模仿、难以复制的作品，以此确立设计的独创性与个人风格。”
在本期Designer's Tool中，我们邀请到韩国设计师蔡秉禄与日本设计师前原翔一。他们毕业于同一所名校——日本多摩美术大学，却走出了迥异的设计之路。一位扎根东亚传统文化，以“积累、重叠、重复”的系统性创作；另一位追寻“偶然性、情绪与失控瞬间”的真实表达。
实际上，极具个人特色的手工创作，与要求严苛的商业委托很容易产生对立。但蔡秉禄和前原翔一却用各自的实践证明了两者可以完美交融。他们都用实际的行动回应了在这个AI时代，设计师如何用双手创造不可替代的价值？
《视觉放松！》
蔡秉禄 X 前原翔一
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AI可以在几秒内生成一张完美的图像，但它造不出一张带着手工质感、每一笔都有温度的作品。
蔡秉禄相信“工艺的本质就是劳动”。他80%以上的商业项目都源于个人创作，而非商业推广。在他看来，AI式即兴、快消的创作模式，与东亚民族深耕细作、长期积淀的文化内核是相悖的。真正的创作应该回归身体、回归手工，用劳动完成从原生态材料到成熟作品的转化。这种从无到有、充满不确定性的过程，恰恰是设计师最核心的价值所在。
OTTOKI海报
©蔡秉禄
蔡秉禄用“做工艺品的心态”打造别人无法模仿、难以复制的作品。他专注于自己真正关心、能带来成就感的领域。在访谈中蔡秉禄曾表示：人人都能做、轻易被模仿的工作，没有必要由他来完成。他的作品本质上是对历史文化形态的再诠释，让传统图形在现代社会中拥有更丰富的用途。
设计的核心不是工具，而是人——是设计师用自己的双手、眼睛和心，去观察、感受、实验，然后把那些真实的瞬间转化为视觉语言。
首尔国立现代美术馆workshop
©蔡秉禄
BOOKS & THINGS
©蔡秉禄
以韩屋仰视视角为灵感的字母画作
©蔡秉禄
Q1
创作时，您如何看待“完美”这件事？
蔡秉禄
过度规整、完美的形象会失去人性魅力，真正打动人心的设计，一定带有温度、个性与不完美的生命力。我其实不太相信所谓完美的设计，很多真正有趣的东西，反而是有点歪歪扭扭的。
我的创作本质上是对历史文化形态的再诠释，让传统图形在现代社会中拥有更丰富的用途，既可以用于宣传物料，也能应用在布料、服装等载体上，成为可延展的视觉模式。先经历复杂再走向极简，与直接做极简设计，是完全不同的创作路径。
Nike x CBR
©蔡秉禄
Q2
AI时代，您认为设计师最珍贵的价值是什么？
蔡秉禄
AI式即兴、快消的创作模式，与东亚民族深耕细作、长期积淀的文化内核是相悖的，这种模式只能是暂时的。设计师不该被技术倒逼后退，而应与技术共同进化，保留创作中最珍贵的人性化表达与身体感知。
我始终倡导，设计师要摆脱“必须画好画”“必须依赖iPad与专业软件”的执念。过度依赖工具，只会让作品越来越趋同、模式化。真正的创作应该回归身体、回归手工，用劳动完成从原生态材料到成熟作品的转化。工艺的本质就是劳动，这种从无到有、充满不确定性的过程，恰恰是设计师最核心的价值所在。
筑叠图创作花絮
©蔡秉禄
Q3
在商业设计中，如何找到自己的定位？
蔡秉禄
我不认为商业设计师更低端、个人创作设计师更高端，两者没有高低之分。人都有自己的特质和取向，有人擅长组织活动，有人适合作为创作者表达，有人擅长前沿科技工作。在众多领域里，找到契合自己特质的个人定位非常重要，定位匹配，设计工作才能顺利开展。
我现在的定位就很适合自己——坚持结合传统文化创作有个人特色的作品，通过工作坊分享想法、传授技术，是我很乐于做的事业。设计师需要理解客户的需求，但同时也要找到那个契合点，而不是完全放弃自己的表达。
Mask of Passion
©蔡秉禄
前原翔一反复强调：真正好的元素往往不是规划出来的，而是在生活中偶然出现的。一个儿童项目里，孩子玩耍时失控的表情；一个摄影馆项目中，那些本该被淘汰的NG镜头——这些“不完美”的瞬间，恰恰是最真实、最有情绪的部分。
“太工整的东西有时候会失去温度，我反而更喜欢那些有点失控的状态。”因为AI可以生成完美，但无法生成“失控”——那些带着体温的、歪歪扭扭的、却真实存在过的人间痕迹。
写真館 東と西
©前原翔一
从设计师个人品角度看，手工创作的过程本身就是一个“故事”。为了保持“独特性”，市场会更倾向于寻找那些用物理媒介创作的设计师。
前原翔一用“边做边发现”的创作状态，保留作品里的“不稳定感”“偶然感”和“人的痕迹”。他希望自己的设计能够给人一种更加放松、更加疗愈的感觉。在商业设计中，他保有一种“挑战”的精神——理解客户需求的同时，依然尝试把自己的想法融入进去，而不是完全顺从。
背后的材料探索、手工搭建、创作过程中的思考，这些内容天然适合传播，也天然能建立情感连接。AI生成的图像很难承载这种“人的痕迹”和“真实叙事”。
CあO2展
©前原翔一
DOG いぬ いぬ ねこ ねこ CAT
©前原翔一
日本户外机械品牌Yamabiko系列视觉设计
©前原翔一
Q1
您提到“偶然性”对创作很重要，能具体说说吗？
前原
翔一
很多作品其实不是设计出来的，而是在做的过程中突然出现的。设计并不是一开始就知道答案，而是在不断尝试、不断调整的过程中，慢慢找到更好的方向。
比如有一个海报项目，原本上下两部分是完全独立的元素，但在不断调整过程中，我突然发现把它们拼在一起反而更有趣，于是最终形成了现在的作品。这种“边做边发现”的过程，是我非常享受的创作状态。真正好的元素并不是设计师提前规划出来的，而是在生活中自然出现的。 设计师要做的，是保持敏感，并从这些偶然中提炼出值得放大的部分。
花いけブートキャンプ
©前原翔一
Q2
创作中会淘汰掉很多作品吗？如何判断什么该留下？
前原
翔一
当然会。但这个过程很有趣——就像我做的那个摄影馆项目，按照传统标准，那些小孩乱动、表情失控的NG镜头可能都是“失败”的，但我反而觉得这些瞬间更加真实，也更有情绪。
个人的判断能力和审美非常重要。 我判断的标准很简单：这个东西有没有“人的痕迹”？有没有情绪？有没有让我觉得“啊，好像有点意思”？如果有，即使它不完美、有点歪歪扭扭，我也会保留它。太工整的东西有时候会失去温度，我反而更喜欢那些有点失控的状态。
专辑设计
©前原翔一
Q3
现在很多商业设计显得很“紧”、很紧张，如何改善这种状态？
前原
翔一
关键在于理解客户看待事物的角度并进行个人化解读，而非单纯执行指令。设计师需保持“挑战”的精神，勇于将个人想法融入商业需求中。
现在很多商业设计都太追求效率和标准答案，导致作品虽然完成度很高，但缺乏情绪与温度。我希望自己的设计能够给人一种更加放松、更加疗愈的感觉。设计师需要理解客户的需求，但同时也不能完全放弃自己的表达——应该保有一种挑战的精神，在理解项目诉求之后，依然尝试把自己的想法融入进去，而不是完全顺从。我希望作品里能有一点‘啊，好像有点意思’的感觉。
TIME
2026年7月15日至7月19日
9:00-17:00
PRICE
7999元
LOCATION
广东省深圳市南山区
华侨城文化创意园北区OCAT-B10馆
LANGUAGE
配备双语翻译
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