随着时装周不断演化为一场关于空间、叙事与感知的综合创作，秀场早已不再只是服装发布的舞台，更成为时尚品牌释放空间创造力的重要媒介。设计师通过建筑、装置与环境构建出完整的视觉语境，让观众在进入秀场的瞬间便沉浸于品牌所构想的世界之中。

2026秋冬秀场设计从历史建筑到临时装置，从城市地标到自然景观，建筑语言与时装设计在不断交汇之中，构建出一种跨越学科的视觉叙事。当服装在建筑之中行走，空间结构、材质与光影便成为叙事的一部分，而建筑所承载的历史、文化与城市记忆，也在这一短暂时刻被重新激活。

本季Louis Vuitton将秀场设于巴黎Cour Carrée du Louvre。这座位于Louvre Museum核心的历史庭院曾是法国王宫的一部分，如今已成为巴黎最具象征意义的文化空间之一。为回应本季关于“自然与旅途”的主题，创意总监Nicolas Ghesquière邀请《Severance》剧集布景设计师Jeremy Hindle打造秀场空间，两人共同构建了一片介于自然景观与未来幻想之间的舞台：原本连绵起伏的绿色丘陵被抽象为锋利而几何化的山峰，仿佛自然地貌在科幻语境中被重新雕刻。

在卢浮宫古典石墙围合的庭院中央，一座临时搭建的透明结构形成半室内展示空间。观众沿楼梯进入其中，面对的是一片由绿色雕塑构成的抽象地景。起伏的山丘被切割成尖锐棱角，形成类似未来山脉的结构，与庭院四周文艺复兴时期的建筑立面形成鲜明对比。简化后的体块在灯光下投射出强烈阴影，使整个场景更像一座雕塑化的景观模型。

自然、建筑与舞台设计在此交叠，形成一种既原始又未来主义的视觉语境。模特行走其间，仿佛穿越一片被重新想象的自然地貌，回应了Ghesquière对系列的描述：一次关于山脉、森林与平原的想象，以及人类在这些地形之间迁徙与旅行时所形成的服饰传统。

正如他在秀后所说，这并不是对现实的逃离，而是一种回声，一种来自过去、延伸向未来的“新民间传说”。在卢浮宫的历史石墙之间，这片被抽象化的自然地貌，为Louis Vuitton的旅行叙事打开了一条新的空间路径。

创意总监 Nadège Vanhee-Cybulsk选址巴黎La Garde Républicaine，将本季秀场灵感锁定在一天之中最微妙的时刻：暮光时分。当太阳已经落下，却仍残留微弱光线时，世界既不完全明亮，也未完全沉入夜色，形成一种介于光与影之间的“过渡时刻”。

为了捕捉这一转瞬即逝的氛围，Hermès将秀场转化为一条穿越自然景观的蜿蜒路径。蓝色调的跑道像一条丝带般盘旋于空间之中，略微悬浮在地面之上，两侧则铺陈着苔藓、低矮植被与泥土质感的地形，仿佛城市边缘的一片自然地带。模特沿着这条弧形路线缓缓行进，穿行于观众之间，使整场大秀更像是一场缓慢展开的夜间漫步。

秀场尽头，一道发光的圆形装置悬挂于空间之中，如同远方的月亮或一道通往另一片景象的入口。模特从这一光环中走出，随后进入曲折的路径，形成一种近乎电影场景般的仪式感。光线在空间中不断变化：温暖色调仿佛日落最后的余晖，而冷蓝色灯光则暗示夜色渐深。

这种光影策略呼应了本季系列所强调的明暗对照，在不断变化的灯光之下，服装的结构与材质逐渐显现，又重新融入阴影之中。硬朗剪裁的西装、马术灵感的裤装与柔和的A字轮廓在光线流动中呈现出雕塑般的体量感。

在这个介于日与夜之间的世界里，Hermès将秀场转化为一种沉浸式体验。蜿蜒的路径放慢了观看节奏，多重视角让服装在移动中不断被重新感知。建筑、自然与光线共同构成了一场关于感官与时间的空间叙事。

本季，Dior将秀场带回巴黎市中心的杜乐丽花园Jardin des Tuileries。这座始建于1564年的法式花园由凯瑟琳·德·美第奇下令修建，并在路易十四时期由园林设计师安德烈·勒诺特重新规划，形成今日典型的法式轴线布局。自1667年向公众开放以来，这片城市绿地一直是巴黎最具象征意义的公共空间之一，也是无数艺术家与漫游者汲取灵感的场所。

本季秀场围绕花园中的一处水池搭建。铺满睡莲的水面中央，一座小桥连接起临时建造的玻璃温室式观秀空间，模特沿着水池边缘行走，形成一条仿佛公园散步路线般的环形动线。杜乐丽花园标志性的绿色座椅，被重新演绎为观众席与秀场装置的一部分，也被制成本季时装秀的邀请函成为贯穿空间的视觉符号。

这一空间构想回应了创意总监Jonathan Anderson为本季提出的主题：“被观看与观看”。在17世纪花园向公众开放之初，人们进入园中散步时需要遵守严格的着装规范。漫步花园本身就是一场社会性的展示行为，人们既是观察者，也是被注视的对象。因此，本季秀场被构建成一条当代版的林荫大道，模特仿佛城市漫游者，在观众之间往返行走，形成一种流动的公共场景。当模特在水面与绿荫之间缓步而行，服装、自然与建筑共同构成了一场关于城市漫游的空间叙事。

Chanel再次回到巴黎Grand Palais呈现2026秋冬系列。这座建于1900年巴黎世界博览会期间的宏伟建筑，以巨大的玻璃穹顶与钢铁结构闻名，是法国美好年代Belle Époque建筑的代表之一。一个多世纪以来，这里既是艺术展览、文化活动的重要场所，也见证了巴黎时装产业的发展。

自Karl Lagerfeld 在2005年将Chanel秀场带回Grand Palais以来，这座建筑便成为品牌秀场叙事的重要舞台，从超市、火箭发射台到冰山与海滩，每一次场景重塑都让Grand Palais成为Chanel想象力的容器。

在创意总监Matthieu Blazy的第二个成衣系列中，这座历史空间被重新构想为一处充满活力的“建筑工地”。闪耀的颗粒地面铺展开来，如同一片舞台般的银色平面，而数座巨型起重机装置矗立其间。它们以红、蓝、黄等原色呈现，既像童话城市中的玩具机械，也仿佛一处正在建造中的时尚现场。

工业结构与Grand Palais优雅的钢铁穹顶形成鲜明对比，为空间带来一种轻松而富有想象力的张力。

这一装置既呼应了建筑本身的结构语言，也象征着一种持续生成的创作过程。起重机代表着建造与改变，而闪耀的地面则赋予秀场一种舞台般的能量。当Lady Gaga《Just Dance》 的旋律响起，并穿插电影《Billy Elliot》的声音片段，整个空间被一种舞动般的节奏感所包围。

Prada 2026秋冬系列选址则是其位于米兰的Fondazione Prada Deposito。这座位于 Fondazione Prada园区内的工业仓储空间，由AMO重新构想为一处仿佛“被掏空的宅邸”：墙面保留古典石膏线、拱形窗与大理石壁炉的痕迹，使原本粗粝的工业结构呈现出介于历史室内与建筑骨架之间的状态。

空间内部陈列来自不同年代的艺术品与家具，16至17世纪的挂毯与绘画、18世纪的威尼斯镜面与桌案，以及20世纪的座椅与灯具。跨越五个世纪的物件被散置在秀场之中，使秀场看起来既像一座私人收藏空间，又仿佛一座被时间不断叠加的历史宅邸。

这一空间逻辑呼应Miuccia Prada与Raf Simons为本季提出的核心概念“layering”。整场秀仅由15位模特演绎60套造型，随着多次出场，部分外层服装被逐渐移除，隐藏其中的组合随之显现，使每一套造型在行进之间不断变化。

在这些不断转化的造型中，剪裁西装、运动服、刺绣缎面礼服与品牌档案元素被嵌入极简结构之中，形成既熟悉又陌生的并置关系。模特穿行于家具与艺术品之间，服装与空间彼此映照：如同秀场中跨越世纪的物件，这些层叠的服装同样承载着时间、记忆与个人叙事。

本季，Balenciaga在巴黎Avenue des Champs-Élysées的秀场空间中，构建了一处介于影像装置与沉浸式剧场之间的环境。创意总监Pierpaolo Piccioli以“ClairObscur”为主题呈现其为品牌打造的第二个系列，并与HBO剧集《Euphoria》的创作者Sam Levinson展开跨界合作，将影像语言引入秀场叙事之中。

整个空间由多块大型屏幕构成，观众被影像包围，屏幕上播放着《Euphoria》第三季的片段预告。这些影像并非简单的背景，而是成为秀场空间的一部分，如同一面面光影墙体，在不断变化的色彩与光线中塑造出情绪化的环境。

《Euphoria》以其独特的视觉风格而闻名：饱和的色彩光源、戏剧化的照明，以及在现实与梦境之间游移的影像质感。Piccioli将这种影像语言引入秀场空间，通过明暗对照与色彩反射，使整个场域呈现出一种多棱镜般的视觉效果。

Piccioli表示，他选择与Levinson合作，是因为对方能够以一种极具人性的方式呈现现实中的脆弱与力量。在这一空间装置中，影像、灯光与服装共同构成了一种叙事结构，每一块屏幕都像是一个片段，让观众在不同故事之间自由联想。当模特在这些光影之间行走，秀场仿佛变成一部正在展开的电影。光与暗不断交替，影像与现实彼此映照。正如Levinson所说，没有黑暗，光便失去层次；没有光，黑暗则会吞没一切。Balenciaga在这一场景中探索的，正是这种微妙而复杂的平衡。

这一次 Bottega Veneta将秀场设于米兰历史建筑Palazzo San Fedele内。这座位于米兰大教堂与斯卡拉歌剧院之间的建筑，曾是20世纪初一座著名剧院，如今被改造为品牌在米兰的新总部。高挑的中央中庭、环绕的古典柱廊与从天窗倾泻而下的自然光，使空间本身带有一种剧场般的庄重与张力，也为本季大秀提供了一处兼具历史感与仪式感的舞台。

在这一克制而宏大的建筑空间中，创意总监Louise Trotter将秀场叙事的重心放在“座椅”这一日常物件之上。她邀请英国设计师Max Lamb为本次大秀特别创作421把手工椅子，让观众席本身成为秀场空间的重要组成部分。这些椅子由聚苯乙烯与聚氨酯手工塑形而成，延续了Max Lamb在其设计项目60 Chairs中探索的材料实验。粗粝的表面保留了切割与雕刻的痕迹，呈现出近乎原始的雕塑质感。未经着色的乳白色椅子与秀场铺陈的深红地毯、猩红漆面柱体形成鲜明对比，在剧院式中庭内构建出一种极具张力的视觉场景，也强化了Trotter在秀场笔记中所提到的主题：关于“集体表达”的想象：心灵、思考与手工之间的协作关系。

对Bottega Veneta而言，与设计界的跨界合作早已成为品牌秀场叙事的重要部分。此前几个季度中，品牌曾邀请Gaetano Pesce设计树脂座椅，也曾以动物造型的懒人沙发与彩色Murano玻璃凳构建观众席。本季Max Lamb的421把椅子，则将这种设计传统进一步推向极致：在不到两个月的时间内完成全部制作，每一件都由手工雕刻而成。

当模特在红色地毯上行走，观众坐在这些带有雕塑感的椅子上，整个秀场仿佛回到建筑最初的剧院记忆，舞台、观众与表演之间的关系被重新激活。短短13分钟的大秀结束后，这些椅子将继续在不同展览空间中被收藏与展示，成为时尚秀场之外的一段设计延续。

Demna执掌Gucci后的首场大秀选址米兰Palazzo delle Scintille。这座由建筑师Paolo Vietti-Violi于1923年设计的巨大室内竞技场，最初是用于场地自行车比赛的速度馆。历经战争损毁与数十年的功能更迭，这座建筑曾承载体育赛事、音乐演出与公共活动，如今成为米兰城市文化空间的一部分。

这座充满工业记忆的场馆这一次被重新构想为一座“博物馆”。观众进入空间后，首先映入眼帘的是一间被浅色洞石包覆的宏大大厅。墙面与结构表面采用StoneLeaf制作的柔性洞石板材，这种将天然意大利大理石薄片附着于树脂与玻璃纤维上的材料，在保留石材质感的同时减轻了重量，使整个空间呈现出一种看似厚重却轻盈的建筑表情。在这座临时博物馆中，一系列古典雕塑散布其间。作品以佛罗伦萨Uffizi美术馆与那不勒斯国家考古博物馆收藏为原型，通过3D扫描技术复制，并由托斯卡纳工匠以石膏重新制作，再经处理呈现出仿若大理石的质感。

这一空间叙事与Demna过去一年对Gucci历史的研究密切相关。在佛罗伦萨的品牌档案馆与工坊之间，他不断往返于工业生产与文艺复兴艺术之间。一次站在Sandro Botticelli的《The Birth of Venus》前的经历，让他重新理解了意大利美学对比例、欲望与美的影响。本季系列名称“Primavera”，同样来自Botticelli的另一件文艺复兴名作。

在Palazzo delle Scintille巨大而克制的空间中，古典雕塑、洞石墙面与冷峻灯光构成一种近乎博物馆式的观看体验。模特在这些静默的“观众”之间穿行，现代服装与历史形象并置，形成强烈的时间张力。在这座被重新想象的博物馆中，建筑、艺术与时装共同构成了一场关于历史与当代的空间叙事。

作为米兰时装周的压轴秀场，Giorgio Armani 2026秋冬系列选址 Via Borgonuovo 21，这座位于米兰布雷拉区的17世纪宫殿曾是 Giorgio Armani 的私人故居，也是品牌早期举办时装秀的重要场所之一。将秀场带回这一地址，不仅是一种空间上的回归，也为本季系列赋予了更为私人化的情感维度。

在这座建筑语境之中，本季秀场的空间设计延续了Armani一贯的简约逻辑。秀场地面被处理成带有金属光泽的表面，仿佛一整块铺展开来的丝绸织物，在灯光下反射出细微而流动的光线。与其说是一条传统意义上的T台，不如说是一片具有质感与光影变化的“材质地景”，让模特在其上行走时产生轻微的反射与律动。

秀场尽头的背景屏幕则呈现出一片柔和的天空景象：浅蓝与淡紫色调在屏幕上缓慢过渡，如同黎明或极光时分的天空。与内部沉稳的历史空间形成对比，这一抹轻柔的色彩为整个场域注入了微妙的情绪变化，使秀场仿佛停留在夜色与晨光交界的时刻。

Burberry这一季的秀场设于伦敦泰晤士河北岸的Old Billingsgate Market。这座建于19世纪的维多利亚式建筑曾是世界上最大的鱼类市场，如今被改造为城市重要的文化与活动空间。宽阔的铁结构屋顶、拱形窗与工业风格的结构，使这里保留着浓厚的伦敦历史印记，也成为本季大秀充满都市气息的背景。

创意总监Daniel Lee将秀场构想为一座“正在施工中的伦敦”。在这座临时建造的城市景观中，伦敦地标Tower Bridge被拆解为类似积木的结构片段，悬浮在空间之中，并被脚手架与Burberry Check图案的防护网包裹。建筑元素仿佛仍处在搭建与修复的过程里，呈现出一种未完成的城市状态。

这一设计灵感来自伦敦街头常见的景象：历史建筑在修复期间被脚手架与防护帆布包裹，城市景观因此不断处于更新与变化之中。Daniel Lee借由这一视觉语言，将秀场转化为一座象征城市演变的微型建筑模型。地面则以橡胶铺设，并点缀树脂制作的“积水”，模拟伦敦雨后街道的湿润质感。低调昏暗的灯光在这些“水面”上反射出微弱光影，与黑色天鹅绒座椅共同营造出一种夜晚城市的氛围。观众仿佛置身于雨后的伦敦街头，在尚未完工的城市结构之间观看这场时装表演。

在这一近乎舞台装置般的空间中，模特穿行于脚手架与桥梁结构之间，服装的轮廓与材质在暗色调环境中显得格外鲜明。整个秀场既像一座建筑工地，又仿佛一座未完成的城市模型，回应了品牌所描述的概念: 一座始终处于建造与更新之中的伦敦。

当灯光熄灭、音乐结束，这些秀场空间往往只存在数小时，却留下深刻的视觉记忆。在当代时装语境中，建筑早已不只是背景，而是叙事的重要组成部分。无论是历史建筑的再激活，还是临时装置的大胆实验，设计师都在通过空间重新定义观众观看时装的方式。

从花园景观到剧院大厅，从城市地标到沉浸式影像环境，本季秀场呈现的不仅是服装系列，更是一种关于空间与文化的思考。或许正如这些短暂出现的空间所暗示的那样：时装周不仅在展示衣服，也在不断建造新的舞台，让城市、建筑与想象力在其中相遇。

编辑 | Peipei

图｜来自各品牌

文｜Grace

设计｜卓玛、Olive

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