如果要说当下国内演出市场中最受年轻观众关注的舞台艺术形式，除了音乐剧之外，舞剧无疑占据着越来越重要的位置。

近几年，一批以传统文化为根基、同时又具有当代审美表达的舞剧作品，持续在剧场与社交平台之间引发讨论。舞剧《牡丹亭》，正是其中极具代表性的一部。

自2025年4月在苏州完成首演以来，舞剧《牡丹亭》在多地演出中持续引发关注。不久前，在B站跨年晚会上亮相的选段《游园》，也让更多年轻观众通过屏幕认识了这部作品。古典题材与当代舞蹈语汇的结合，使它在不同观演场景中都展现出鲜明的辨识度。

今年3月27日、28日，舞剧《牡丹亭》将作为第54届香港艺术节的闭幕演出之一，与香港观众见面。

这也将是该作品首次在香港完整呈现，为本地观众提供一次在剧场中直面这一当代舞剧的重要机会。

对于来自粤港澳大湾区的观众而言，这同样是一场值得专程走进剧场的舞台体验。

汤显祖画像

四百年前，汤显祖在临川写下《牡丹亭》，留下了中国文学史上关于“情”的经典命题。四百年后，当舞蹈剧场导演黎星与黄佳园将目光投向这部作品时，他们并未选择对原作进行简单复刻，而是尝试以舞蹈的方式重新进入这座文学园林——用身体、空间与光影，回应那段关于梦、欲望与生命觉醒的叙事。

也正因此，舞剧《牡丹亭》并不满足于讲述一个“才子佳人”的爱情故事。

在这部作品中，杜丽娘不再只是为情而生、为情而死的古典人物形象。创作团队在充分研读原作与相关戏曲传统的基础上，将关注的重心放在“意识的苏醒”之上：那个“游园惊梦”的午后，既是情感的发生，也是个体第一次清晰地感知自我、感知身体与欲望的时刻。

在主创看来，爱并非故事的终点，而是个体觉察自身存在的起点。

舞剧《牡丹亭》的舞台呈现极为克制，却富于层次。高反光材质构成的舞台地面，使舞者的身体与倒影同时存在于观众视野之中，真实与虚像在不断叠合中被打散边界。这种设计，与原著中关于时间、梦境与生死的诗性气质形成了微妙呼应。

舞台上并未出现具体的亭台楼阁。取而代之的，是流动的光影、多媒体影像与弥漫全场的水雾，共同勾勒出一座存在于意识中的园林。当舞者在烟雾中行走、停顿、相遇，观众仿佛被引入杜丽娘那场名为“惊梦”的内心景观之中。这种留白的处理，也让舞台更接近中国传统美学中“意到而笔不到”的状态。

在结构上，编剧罗怀臻为舞剧设定了“梦卷”与“画卷”两部分。

上半场【梦卷】： 它是感性的、阴柔的、内化的。它聚焦于杜丽娘。我们看到她在屏风后的禁锢，看到她步入园林的惊诧，看到她在梦中与柳生那段极致缠绵的双人舞。那一刻，舞蹈不仅仅是动作，它是荷尔蒙的喷发，是灵魂在呐喊。

下半场【画卷】： 它是执着的、刚劲的、寻找的。视角转向了柳梦梅。他在现实世界中拾得那张自画像，他对着画像呼唤。这不再仅仅是“异性相吸”，而是一个生命对另一个生命穿越时空的共振。

这种非线性的结构，使舞剧摆脱了单一叙事推进的方式，更接近一首在梦与醒、生与死之间不断回旋的长诗。

在很多版本的《牡丹亭》里，花神只是起承转合的工具人。但在黎星和黄佳园的镜头下，李倩领衔的花神群舞成了全剧最震撼的生命图景。他们象征着自然界原始的、狂放的生机。那一身红衣，像是一团在雪白舞台上燃烧的火焰，推着杜丽娘去爱，去死，去绽放。

当胡婕饰演的杜丽娘与罗昱文饰演的柳梦梅交手时，你会发现，语言在这一刻是多余的。黎星的编舞风格极具张力，他将古典舞的圆润与现代舞的爆发力融合在一起。双人舞中大量的托举、缠绕、甚至是不合常理的扭转，都表现了那种“恨不得揉进血肉”的至情。

在音乐上，巧妙地保留了昆曲中标志性的笛声与唱腔，但背景音底色却是深邃的现代电子乐。这种混搭不仅没有违和感，反而营造出一种“时空折叠”的错觉，让每一个坐在21世纪观众席上的灵魂，都能听懂400多年前的叹息。

《牡丹亭》中有一句广为人知的话：“梦中之情，何必非真。”

在这部舞剧里，观众看到的不仅是一个古老文本的当代表达，也是一种关于个体、欲望与生命体验的再度追问。或许，每个人心中都有一座尚未被踏入的园林，等待一次属于自己的“惊梦”。

舞剧《牡丹亭》所提供的，正是这样一次在剧场中完成的进入。

香港艺术节闭幕演出

舞剧《牡丹亭》

2026.03.27 - 03.29

香港文化中心大剧院